By Artes Landivar Abrapalabra
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El Renacimiento (s. XIV al XVI) fue la época cultural que retomó los principios filosóficos de los clásicos griegos; en donde prosperaron las ciencias y las humanidades. En cada época, indica el filósofo Oswald Spengler, se manifiestan los símbolos. En este periodo, por primera vez, el hombre se reconoce a sí mismo. Esto, lo lleva a preguntarse por la esencia y el sentido del hombre; que reconoce, están dados en el arte. Las esculturas griegas clásicas que son retomadas en el Renacimiento, son ejemplos de la dualidad del alma apolínea (cultivada) y el cuerpo empírico (experimentado). Cuerpo, antes vulgarizado por la escolástica; es decir, las escuelas religiosas del Barroco.

El desarrollo de la técnica artística y el mecenazgo también son partes fundamentales de este periodo, ya que el rol del artista era considerado un oficio. Leonardo Da Vinci se conoce como el padre del Renacimiento, ya que su experiencia se expande por diferentes campos de conocimiento. Domina la pintura, escultura, arquitectura, ingeniería, astronomía y su mente creativa lo llevó a inventar máquinas excepcionales, como el helicóptero.

La obra que nos interesa discutir es El Hombre de Vitruvio, un dibujo en el que Da Vinci explora la percepción subjetiva del mundo. Retorna los valores culturales de su época y aplica los conocimientos de máquina a la dimensión humana. Su referencia proviene del periodo clásico, del arquitecto griego, Vitruvio, que anunció El hombre es la medida de todas las cosas.

De esta forma, podemos preguntarnos, ¿cuáles son las esencias de la humanidad y sus símbolos? Es necesario, pues, desnudar el cuerpo, retratarlo sin ornamentos; esto se asemeja a la mirada intemporal del Renacimiento; alejado de la naturalidad de lo clásico. En este periodo se presenta lo innatural[1], el ideal inalcanzable.

Hemos encontrado la relación entre el Renacimiento y la música pop, aunque la idea no es descabellada, ya que Spengler, reconoce que los retratos del arte occidental, encuentran el infinito de los sentidos, bajo la premisa que enfoca al hombre, principalmente como centro del universo histórico. Que va desde la escultura del año 1200, hasta que evoluciona a la música, en especial la del s. XVII. (2009, pág. 380)

Por su parte, Lady Gaga es un ícono polifacético de la actualidad. Ella es compositora, productora, bailarina, actriz, activista y diseñadora de moda. En la portada del disco Chromatica, Lady Gaga nos recuerda el dibujo de Da Vinci, aunque diferente al canon estético del ideal. En su portada, presenta una escena de contrastes, en donde las proporciones son desmedidas. La oscuridad devora su cuerpo y, aún así, resalta la calidez de su piel, su desnudez suprasensible. El traje y sus extremidades se mimetizan con elementos biónicos y la vibrante extensión de cabello neón se confunde con la luz detrás de la malla. Su cabello es la bandera que se alza al viento detrás de las rejas de una jaula, hacia la libertad; más allá del binario y la perfección geométrica.

El álbum Chromatica trae consigo nuevas posibilidades, otras medidas para la comprensión del maravilloso mundo actual. A pesar de sus sonidos digitales con influencia disco que prevalecen en la mayoría de canciones, tiene dos oberturas instrumentales, como la puerta hacia una sinfonía del nuevo mundo. Un movimiento social y musical que está enloquecido de amor y es portavoz del anhelo histórico por la libertad femenina. De esta forma, Chromatica es símbolo de la amplitud y la asimetría. Encuentro entre la espesura de la fiesta y la reflexión babilónica para abrir la mente a algo nuevo.

[1] Lo único que le interesa al hombre apolíneo y a su arte es la apoteosis de la manifestación corpórea, en el sentido literal de la palabra: la proporción rítmica del cuerpo y el desarrollo armónico de su musculatura (O. Spengler, La decadencia de Occidente, 2009, pág. 375)

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